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 Au musée Bourdelle à Paris, jusqu'au 24 juillet 2011
 

http://www.paris.fr/loisirs/musees-expos/musee-galliera/madame-gres-la-couture-a-l-oeuvre-au-musee-bourdelle/rub_5854_actu_93538_port_12995

Je rentre chez moi, il est déjà 19h, je viens de voir l’exposition « madame Grès », au  musée Bourdelle, c’était magnifique. 

On rentre dans un univers, celui de madame Grès  mis en scène pour l'exposition.

Les  sculptures de Bourdelle occupent l’espace ; d’ailleurs une des oeuvres (sorte de Vénus vétue d’une longue tunique) est installée dans une vitrine.

On se rapproche, ce n’est pas une sculpture, ces plis, ces drapés, c'est une robe moulée sur un mannequin,

une création non pas de Bourdelle mais de madame Grès.

Les photographies nous rappellent l’ambiance filmographique de Monsieur Cocteau.

Willy Maywald, 1954

               Les œuvres photographiques ponctueront ainsi toute l’exposition.

                                            Boris Lipnitzki, 1939 et 1936

Au fond de cette première salle il y une petite estrade ; au-dessus un diptyque de photos grand format qui représente deux robes en aplats sur un fond noir ; ces visuels dégagent une présence quasi religieuse, nous sommes au cœur d’une chapelle.

Katerina Jebb, 2011

Madame Grès (1903-1993) voulait être sculpteur, ses parents on choisit la couture. Elle a sculpté avec le tissus et est devenue une des plus grande.

Elle travaille ses robes en volume directement sur le mannequin ou le modèle ; elle fixe les formes avec ses épingles et n’utilise pas de patron à  plat ; chacune de ses pièces est unique et cousue à la main ; les plis et drapés (qui demandent une grande quantité de tissus) définissent son travail. Les motifs sont rares, elle utilise des couleurs neutres et sobres. 

Printemps-été, 1952

On sillonne entre les sculptures de tissus et de pierre, certaines sont sur des socles d’autres sur des mannequins ; c’est un lieu  où l’on respire grâce à  sa beauté architecturale, ses hauteurs de plafonds, ses pièces en enfilade (extension contemporaine réalisée par Christian de Portzamparc).

A travers les fenêtres du musée apparaît le jardin, l’atelier nous rappelle celui de Rodin (dont Antoine Bourdelle fut le collaborateur) ; une pièce voisine expose les œuvres du peintre Eugène Carrière.

Plusieurs artistes cohabitent dans ce lieu par leur présence ou par analogie avec d’autres créateurs.

Si Madame Grès rêvait d’être sculpteur, ça n’est pas son seul point commun avec Bourdelle ; il était également sensible à la mythologie Grecque (un des thèmes de ses œuvres), et l’on voit de manière très appuyée les plis de ses tissus dans ses sculptures . 

Et puis il y a cette salle avec les croquis de Madame Grès et ses planches de recherche avec des échantillons de tissus. 

C’est exposition met en scène beaucoup de talents, de créations, de médiums différents, j’en ai encore les yeux grands ouverts. 

C.L.

Photographies provenant du livre d'exposition : "Madame Grès, la couture à l'oeuvre", paris musées

Commissaire d’exposition : Olivier Saillard

Vidéo sur l’exposition : http://www.arte.tv/fr/3874206,CmC=3874236.html

Balthasar Burkhard

Voici des fruits, des fleurs, des feuilles et des branches

Au MAC’s, (Musée des arts contemporains), Site du Grand Hornu, Belgique

Du 27 février 2011 au 29 mai 2011

http://www.mac-s.be

Balthasar Burkhard (1944-2010), photographe suisse peu connu, fait l’objet d’une très belle exposition au MAC’s du Grand Hornu en Belgique. L’espace architectural de cet ancien site industriel de charbonnage, réhabilité en centre d’art, se marie à merveille avec l’œuvre délicate et sensible de Balthasar Burkhard.

Fleurs, paysages, portraits d’animaux… peuplent l’univers photographique de cet artiste suisse. A priori, rien de révolutionnaire ou de très contemporain mais c’est la manière dont il traite ses sujets (maîtrise de la lumière, choix du cadrage, du format et des techniques utilisées) qui atteste que l’on est face à un grand maître de la photographie.

Balthasar Burkhard nous ouvre les portes d’un monde enchanté. Le choix de sujet issu de la tradition picturale (nature morte, paysage, étude quasi scientifique…), les différentes techniques photographiques employées et les références implicites contenues dans les images nous font remonter le temps. Le portrait de son groupe d’Iris ne peut que nous renvoyer aux études subtiles d’Albrecht Dürer (1471-1528)  peintes à l’aquarelle.

Les héliogravures(¹) de Balthasar Burkhard nous évoquent les débuts incertains et magiques de la technique photographique. Difficile de ne pas se laisser séduire par le travail du photographe suisse. Il réussit par des moyens simples à charmer notre regard autant que notre intellect.

Les photographies en noir et blanc sont également de grande qualité mais d’une approche plus classique. Il propose le portrait touchant d’une ménagerie. Les animaux posent fièrement même s’ils ont l’œil triste et le pelage terne. Cette série nous renvoie à leur piètre condition de bête de foire.

L’utilisation du papier photographique baryté ainsi qu’une pratique de la photographie hautement maîtrisée nous révèlent des détails incroyables. Chaque poil du pelage se détache nettement de l’image, la texture de la peau ridée de l’éléphant paraît incroyablement réelle. On se surprend à scruter l’image, à essayer de voir l’infiniment petit.

La force des photographies de Balthasar Burkhard réside certainement dans cela : sa capacité à guider notre regard, à inviter le spectateur à se rapprocher physiquement mais également psychologiquement des sujets photographiés. On partage la mélancolie de ses bêtes coupées de leur environnement naturel.

L’ambiance sereine qui baigne sa série sur les paysages alpins ou sur les natures mortes, atteint le spectateur. Burkhard nous offre un très beau moment de contemplation. Il nous fait réfléchir sur notre propre existence : notre histoire culturelle, les mythes, notre rapport à la nature...

Il tend à brouiller les pistes entre les différents domaines artistiques. On croit voir de la peinture et on se trouve face à une photographie. Cette légère confusion nous interpelle. On pense au mouvement pictorialiste de la fin du XIX^e siècle où les photographies nous rappellent certaine composition picturale. On pense au travail de Gerhard Richter qui à l’inverse peint avec une telle dextérité que l’on croirait voir une photographie (Betty, 1988).

Cette façon de rapprocher les médiums par l’emprunt des codes et du langage, permet à Burkhard de mieux cerner son sujet et de lui donner de la profondeur. Ses photographies invitent à la méditation.

D.R.

¹Héliogravure : Procédé d’impression où le sujet (image, texte…) est fixé sur une plaque de cuivre grâce à une gélatine photosensible. Ce procédé très fréquent au XIX^e siècle a été rapidement abandonné.

19 octobre – 23 décembre 2010

A la MAV (Maison de l’Architecture et de la Ville), Lille

www.mav-ndpc.com

Entre art et design, la Maison de l’Architecture et de la Ville à Lille propose une exposition qui regroupe deux domaines artistiques différents et pourtant complémentaires : L’architecture et le graphisme, le design d’espace et de communication.

A travers six thématiques, richement documentées, cette exposition nous permet d’explorer les connexions, de cerner les liens qui existent entre ces deux domaines présentés.

Le foisonnement des documents exposés : revues, photographies, plans, vidéos empêchent peut être le spectateur non initié de comprendre les enjeux mis en avant par l’équipe de la MAV. Il faut dire que c’est la première exposition qui s’aventure dans ce passionnant mélange du ‘signe bâti’ et du ‘signe graphique’.

Extraits de revues d’art spécialisées en graphisme et en architecture, photographies d’espace architectural investi par la signalétique, travail typographique ou vidéos, témoignent des liens étroits qui se tissent entre les disciplines. Les sources d’inspiration sont multiples et les échanges féconds entre les deux disciplines qui ont pour fonction, entre autre,  de créer des signes et du sens dans un univers urbains où l’empilement des signes (affiches, enseignes, couleurs, néons…) donnent le vertige.

Les formes et les structures architecturales sont souvent le point de départ à des expérimentations typographiques et graphiques.

Six pistes d’étude sont proposées par la MAV :

- Graphisme sur l’architecture (Publications consacrées à l’architecture)

- Graphisme vers l’architecture (signalétique directionnelle)

- Graphisme dans l’architecture (lettrage)

- Graphisme autour de l’architecture (Travail d’identité et de communication d’institutions sur l’architecture)

- Graphisme suivant l’architecture (Prégnance d’une architecture sur un travail graphique)

- Graphisme or l’architecture

Les références pour chacune de ces thématiques sont nombreuses et très intéressantes. Deux d’entre elles ont particulièrement retenu mon attention : Graphisme dans l’architecture et Graphisme suivant l’architecture. Le rapport à la géométrie est une constante dans les différentes références proposées. Pour les graphistes, le langage formel se développe à partir des formes et des structures architecturales dont ils reprennent les codes visuels : Le jeu des pleins et des vides, la répétition d’un module, la technique de l’assemblage…

Ces deux thématiques me paraissent complémentaires dans le sens où elles inversent tour à tour le rapport entre graphisme et architecture.

Dans le premier cas c’est le graphisme qui détermine ou influe sur la forme architecturale finale.

La seconde thématique souligne le procédé inverse, c’est la forme architecturale qui va donner naissance au graphisme accompagnant le bâtiment.

Le foisonnement des références m’a rendu difficile le choix des œuvres que j’ai décidé de présenter. Loin du simple constat ou d’une démonstration d’un savoir-faire technique qui peut parfois étouffer l’élan créatif ; les exemples proposés font état d’un réel dialogue entre graphisme et architecture.

Le ‘chapitre’ Graphisme dans l’architecture propose des œuvres qui ont certainement nourri la jeune génération de graphistes et typographes actuels. Comment ne pas rapprocher le pavillon des livres pour la biennale internationale des arts déco à Monza en Italie (1927) de l’artiste futuriste Fortunato Depero, des architectures en typographie de New York du vidéoclip The Child réalisé par le collectif de graphiste H5 (www.h5.fr) ?

Fortunato Depero qualifie son travail d’ «architecture typographique». Les lettres deviennent la structure et les motifs décoratifs du pavillon. On ne peut ignorer ici l’influence des théories futuristes sur son travail : le rapport à la ville, à son tumulte, à la vitesse et aux signes de la cité moderne. La lettre passe du plan au volume et détermine la forme globale du pavillon. L’effet produit est certes très décoratif mais plutôt que d’engager un travail d’enseignes ou de signalétique sur-ajouté au bâtiment, Depero opte pour un texte qui se transforme en un temple dédié au livre.

Le deuxième travail graphique propose la démarche inverse. Le graphiste Pierre di Sciullo joue avec les modules géométriques de l’architecture du CND (Centre National de la Danse) pour créer la typographie de l’enseigne ‘danse’ qui s’érige en haut du bâtiment. Ces ‘lettres qui dansent’ rappellent à la fois la forme architecturale du lieu mais également sa fonction.

Autre démarche, celle des graphistes d’Autobus impérial, Cette fois-ci c’est la typologie du matériau utilisé pour revêtir les parois des Bains des docks au Havre qui va servir de base pour créer une typographie pour la signalétique du lieu.

La simplicité est de mise mais le résultat est efficace. Les graphistes se sont servis des formes géométriques dessinées par l’assemblage des carreaux de faïence pour intégrer directement les textes directionnels.

La deuxième thématique Graphisme suivant l’architecture,  montre que c’est l’enveloppe du bâtiment, son aspect général qui sert de source d’inspiration aux graphistes. Deux exemples emblématiques, parmi tous ceux présentés par la MAV, peuvent être cités. Le logo du centre Pompidou réalisé par Jean Widmer en 1977. Par la simplification des formes et le traitement en noir et blanc, Widmer crée un logo qui a fort impact visuel qui rappelle l’architecture du centre.

Stefan Sagmeister reprend ce procédé pour créer l’identité visuelle de la Casa da Musica de Porto. La forme de l’architecture peut se transformer en symbole d’une institution culturelle. La casa da Musica de Porto, imaginée par l’architecte et théoricien Rem Koolhaas a une forme très particulière et tranche avec un univers urbain peu fantaisiste. Au départ Stefan Sagmeister refuse la facilité et rejette l’idée de prendre la forme architecturale comme logo. Après réflexion, il décide de réduire la forme architecturale à l’essentiel et de la décliner en six logos faisant écho aux six façades du bâtiment. Le résultat est tout à fait probant et montre encore une fois les liaisons qui se créent entre formes architecturales et graphisme.

Au travers de ces quelques exemples, on constate aisément que les frontières entre arts plastiques et arts appliqués sont de plus en plus poreuses. Ce dialogue incessant entre différents domaines et différents médiums permet de penser la forme artistique dans sa globalité et remet au goût du jour l’utopie d’un art total initiée par De Stijl ou le Bauhaus.

Au-delà du simple constat formel, la relation entre graphisme et architecture permet de repenser le signe dans la ville. Comment se faire voir dans une société de plus en plus urbanisée remplie de signes et de symboles ? Ces expérimentations permettent de créer de nouveaux repères et un nouveau langage dans la ville qui échappent aux signes commerciaux et introduisent un peu de poésie dans les milieux urbains.

Jérémy LIRON : Landscape(s)

Lab Labanque, Béthune

14 octobre 2009 – 31 janvier 2010

Vingt tableaux de format carré (120 x 120 cm) retracent le trajet de Jérémy Liron : Lyon-Béthune pour arriver jusqu’aux salles de l’ancien appartement du directeur de la banque de France.

Derrière les vitres d’un train ou d’une voiture, le peintre a pris des photographies de paysage que l’on pourrait qualifier de non lieux.

Paysages sans spécificités, friches industrielles, bâtiments issus des concepts modernes bafoués forment les environnements qui servent de points de départ aux paysages peints de Jérémy Liron.

Vingt tableaux : format identique, même ciel bleu sans nuages derrière un plexiglas ; ainsi est créée une série uniforme qui implique l’image du spectateur dans l’œuvre. Les silhouettes se reflètent et se trouvent prises au sein de la représentation. Seule présence humaine, ses ombres mouvantes parasitent l’œuvre et nous empêchent de la discerner dans sa totalité. Nous sommes contraints de nous déplacer, de changer de point de vue pour embrasser et reconstituer mentalement le paysage. Finalement, nous sommes face à des fragments de paysages. Fragments car ce sont vingt tableaux qui retracent un trajet de 690 km. Fragments encore puisqu’ils témoignent  d’une temporalité et d’un espace discontinus. Ce sont les choix plastiques presque protocolaires qui permettent de créer une cohérence entre chaque tableau.

Le reflet nous renvoie également à l’expérience du peintre prenant ses photographies derrière des vitres et des habitacles qui déterminent déjà un format et un point de vue.

Beauté fragile et anecdotique, il est difficile d’identifier les lieux qui ont servis de point de départ à l’artiste. Ils pourraient être ici ou ailleurs, un peu comme les chevalements des Becher, à la fois unique et sériel.

La matière picturale est bien présente, couleurs chatoyantes, coulures et traces de fond d’or. Mais on tend vite à l’oublier. Le sujet n’est non pas traité avec froideur mais avec distance. Bien plus que les paysages, c’est un temps et un espace suspendu qui habitent l’œuvre de ce jeune peintre.

Dans la lignée de peintres comme Yvan Salomon ou David Schnell ; Jérémy Liron, archéologue du présent, interroge par l’intermédiaire de ses œuvres notre rapport au paysage et donne un peu de dignité à ces lieux que peu de personnes acceptent de voir.

D.R.

Musée des beaux-arts de Valenciennes

28 mars – 12 juillet 2009

Dès les premières toiles nous sommes étourdis par la puissance qu’elles dégagent. Au-delà de la matière, toute la force de la peinture de Rebeyrolle réside dans la brutalité « contrôlée » du geste. L’énergie, la rage traversent l’ensemble des œuvres présenté au musée des Beaux-arts de Valenciennes. Des touches de couleurs vives laissent des trouées béantes dans les couches sombres et surchargées de matière.

La peinture de Rebeyrolle est un hurlement qui questionne la condition humaine. Elle nous interpelle sur la misère, la douleur, la fragilité de notre condition.

Les vingt pièces présentées : 17 tableaux et 3 sculptures, jalonnent l’œuvre du peintre décédé en 2005. Elles nous permettent d’avoir un mince aperçu de son travail. Mélangeant figuration et zones plus abstraites où se déchaîne la couleur, Rebeyrolle a un sens aigu de la composition et de la mise en scène. Un objet se confond avec une giclure de peinture. Le contour d'un personnage s'estompe et s'enlise dans la couleur de l'arrière-plan. Natures mortes, paysages, figures isolées se succèdent dans la même violence et constituent les thèmes récurrents de son œuvre.

Les toiles vont du sublime à des expérimentations plus matiéristes. On se réjouit d’avoir pu frôler le travail de ce grand peintre du XXe siècle mais on ne peut que déplorer un accrochage médiocre. Le manque d’espace dessert l’œuvre du Maître. Il est impossible d’appréhender les toiles de grandes dimensions dans leur totalité. La vision ne peut être que partielle et fragmentée, ce qui nous empêche d’apprécier pleinement les explosions de matières, de couleurs, répandues sauvagement sur la toile. Le cloisonnement et l’enchaînement des cimaises nous interdit de confronter les toiles entre elles. Le parti-pris de l’accrochage chronologique, s’il permet de suivre l’évolution du travail, n’était peut-être pas des plus judicieux. Un accrochage thématique aurait davantage permis de comprendre les préoccupations artistiques de Rebeyrolle.

Si l’on est tenté dans un premier temps de rapprocher les toiles de Rebeyrolle de celles de Francis Bacon, c’est pour mieux les écarter par la suite. Rebeyrolle ne nous offre ni étrangeté, ni mythologie personnelle mais une violence brutale qui a l’air, malheureusement, trop universelle. D.R.

Paul Rebeyrolle est né le 3 novembre 1926 à Eymoutiers, en Haute-Vienne (France). Il est décédé à Boudreville le 7 février 2005. Après quelques voyages, Le peintre s'installe à Paris puis quitte la capitale en 1963 pour s'installer à la campagne.